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Videotutoriales de Fotografia - Curso Tripode

Curso de Fotografía Tripode - Cap 1 Que camara necesito

  

Curso de Fotografía Trípode. Cap. 2

Curso de Fotografia Trípode. Cap. 3

Curso de Fotografía Trípode Cap. 4

 

Curso de Fotografia Tripode. Cap. 5(Parte 1/3) 

 

Curso de Fotografia Trípode. Cap. 5(Parte 2/3)

Curso de Fotografia Trípode. Cap. 5(Parte 3/3)

 

 

 

 

Conceptos básicos de fotografía

Con la llegada de las nuevas cámaras fotográficas nos encontramos con aparatos capaces de realizar funciones y ajustes totalmente automaticos de forma que el usuario no tiene que hacer nada, salvo disparar el obturador.
Pero una cámara no deja de ser una maquina, sin pensamiento ni sensibilidad, y se limita a efectuar unas mediciones y ajustes standard para una presentación correcta de la imagen.
Seguramente el fotografo más inquieto o con más creatibidad, necesitará poder realizar ajustes própios, dejando que actue la cámara automaticamente, unicamente cuando lo considere necesario.
En esta sección vamos a ver los conceptos básicos de la fotografía:

• Velocidad.
• Diafragma.
• Enfoque.
• Fotómetro.
• Profundidad de campo.
• Compensador de luces.

 

Diafragma

Es el tamaño de la apertura que realiza el objetivo.
A la hora de realizar una fotografia tenemos que tener en cuenta que :

• Cuanto más alto sea el numero de diafragma, más profundidad de campo tendremos.
• Cuanto más alto es el numero de diafragma, más cerrado queda el objetivo por lo tanto, la luz que entre por el obturador será menor.
  • 16 de diafragma , objetivo cerrado.
  • 2,8 de diafragma, objetivo abierto.
• Cuanto más podamos abrir el diafragma de un objetivo, más sera la calidad de este objetivo.
  ( si nuestro objetivo posee una apertura de 1,4, tenemos un objetivo de una gran pureza de lente).

Velocidad.

Es el tiempo que tarda en abrir y cerrar el obturador.

Cuando decimos que hemos realizado una fotografía a 125, nos referimos a 1/125 de segundo.
A la hora de realizar una fotografía tenemos que tener en cuenta que :

• La velocidad recomendable para que no salga la fotografía movida es 125
• Cuanta mayor sea la velocidad más abierto debe de ser el diafragma.
• Si nos disponemos a relizar una fotografía a una velocidad inferior a 30, es recomendable es uso del trípode.

Enfoque

Es la distancia existente entre la cámara y el motivo que deseemos fotografiar.
En cámaras antiguas el enfoque era manual, por ello debiamos poner la distancia numéricamente.
En cámaras posteriores el enfoque era visual. (en cámaras Reflex).
En los últimos modelos el enfoque es totalmente automatico, basta con pulsar el disparador para que la cámara haga una medición y ajuste el foco automaticamente. (Autofocus).

Profundidad de campo.

Es la distancia focal de un objetivo.
Una vez enfocado el motivo, es la distancia anterior y posterior que tambien permanecerá enfocada.
Cuanto más cerrado esté el diafragma, mayor será la profundidad de campo, por el contrario, cuanto más abierto esté el diafragma, menor será la profundidad de campo.
Dependiendo del tipo de fotografía, utilizaremos un diafragma más cerrado o más abierto.

Fotómetro.

Su función es medir la intensidad de luz.
Existen fotómetros incorporados en las cámaras así como tambien los hay externos.
Hoy por hoy la mayoria de las cámaras fotográficas lo traen incorporado.
El fotómetro debe saber la sensibilidad de la pelicula, aunque las cámaras más modernas lo hacen automaticamente.

Fotómetros externos

Los fotómetros externos o de mano nos permiten más precisión a la hora de medir la iluminación ya que podemos hacerlo acercando a la persona o motivo.
Dentro de los fotómetros externos existen dos tipos:

Fotómetros externos de luz de ambiente.

Estos fotometros miden la luz que existe, pudiendo alguno de ellos medir la temperatura de color, si bien todavía podemos encontrar fotómetros de aguja, desde hace unos años lo más común es que sean digitales.

Su funcionamiento es muy sencillo, le indicamos la sensibilidad utilizada en la pelicula y el fotómetros nos indica la velocidad y diafragma idoneo para las condiciones de luz leidos.

Tambien podemos encontrar en el mercado fotómetros que ademámas de leer la luz de ambiente, nos permite leer zonas concretas, estos fotómetros se utilizan habitualmente para cine y video.

Fotómetros externos de luz de flash.

Estos fotómetros permiten medir tanto la luz de ambiente como la luz emitida por el flash, para ello dispone de una entrada del cable del flash, de esta forma cuando pulsamos sobre el botón del fotómetro, el flash emite el destello y el fotómetro realiza la medición.
En algunos modelos podemos realizar la medición sin tener que conectar cable alguno, ya que lo hace automaticamente en cuanto recibe el destello del flash.

Fotómetros internos

Normalmente las cámaras fotográficas incorporan un fotómetro interno que se encarga de realizar la medición y si se desea, ajustar los valores de velocidad y diafragma a la propia cámara.
Cada marca y modelo de cámara tiene su propia forma de mostrar los datos del fotómetro, veamos algunos ejemplos:

Fotómetro interno de agujas.

Estos fotómetros lo incorporaban las antiguas cámaras, su uso es muy sencillo, tenemos dos agujas, una con un circulo en su extremo, la cual se mueve en función a la sensibilidad indicada y la otra aguja se mueve en función a la luz que exista y a los valores de diafragma y velocidad inidcadas, cuando ambas agujas coinciden, significa que tenemos bien ajustada la iluminación.

Fotómetro interno de luz amarillo y rojo.

Estos en lugar de mostrar los datos en el visor, lo hacen situados dos luces en la encimera de la cámara, su funcionamiento es muy sencillo, cuando se enciende la luz roja significa que existe un exceso de luz, cuando lo hace la luz amarilla existe falta de luz,así pues, abriendo o cerrando el diafragma o velocidad hasta conseguir que no se encienda ninguna luz, conseguiremos ajustar la luz.

Fotómetro interno de leds.

Este tipo de fotómetro nos muestra mediante un led rojo fijo la velocidad que nenemos puesta y mediante otro led rojo intermitente nos indica la velocidad idonea para las condiciones de luz, tan sólo debemos ajustar velocidad o diafragma hasta conseguir que unicamente quede encendido un led rojo fijo.

Fotómetro interno de información.

Este tipo de fotómetro es el que podemos encontrar en las cámaras fotográficas actuales, la información que nos muestra es muy completa, ya que además de indicar velocidad y diafragma necesarios, nos indica la sensibilidad de la pelicula, compensador de luces utilizado, así como situación del autofocus de la cámara.

En muchos casos además de la información en el visor, tambien nos lo muestra en la pantalla LCD situada en la encimera de la cámara.

Compensador de luces

También conocido como corrector de exposición

Es un mecanismo, mediante el cual, puede sobreexponer o subexponer la fotografía
Veamos un ejemplo de utilización del compensador de luces:

Un artista iluminado en escena por un proyector de barrido, pero que ocupa muy poco espacio en el encuadre, el fotómetro de la maquina puede considerar que globalmente es una escena oscura, con lo cual daría una exposición mayor, consiguiendo que el sujeto principal quede muy sobreexpuesto ( "un queso blanco" )

Poniendo un valor de "-2" conseguiremos que la cámara haga la fotografía con 2 puntos menos de exposición respecto a sus mediciones.

Historia de la fotografía

Antecedentes

Realmente la Historia de la fotografía empieza en el año 1839, con la divulgación mundial del primer procedimiento fotográfico: el daguerrotipo.

Como antecedentes de la fotografía, se encuentran la cámara oscura y las investigaciones sobre el ennegrecimiento de las sales de plata. Ibn al-Haytham (Alhazen) (965 a 1040) llevó varios experimentos sobre la cámara oscura y la cámara estenopeica.

Cronología

1520 La primera publicación sobre la cámara oscura es la de Cesare Cesariano, un alumno de Leonardo durante el Renacimiento. Por su parte, el científico Georgius Fabricus experimentaba ya con las sales de plata, notando algunas de sus propiedades fotosensibles.

1558, Giovanni Battista della Porta, por sus publicaciones sobre el funcionamiento de la cámara oscura, se hizo popular entre los pintores de la época. Gerolamo Cardano sugiere una importante mejora: un lente en la apertura de la cámara.

1600, durante el siglo XVII, la cámara que hasta ese momento era una habitación como tal se transforma en un instrumento portátil de madera. Johann Zahn transformó esa caja en un aparato parecido al usado en los principios de la fotografía.

En este siglo los científicos continuaban experimentando con sales de plata, notando cómo se oscurecían con la acción del aire y del Sol, sin saber que era la luz la que les hacía reaccionar, hasta que científicos como el sueco Carl Wilhelm Scheele y el suizo Jean Senebier revelaron que las sales reaccionaban con la acción de la luz.

1685, de acuerdo a tratados publicados por Zahn, la cámara ya estaba lista para la fotografía; pero todavía no se podían fijar las imágenes.

1777, el sueco Carl Wilhelm Scheele publica su tratado sobre las sales de plata y la acción de la luz, en latín y alemán; en 1780 en inglés, y un año más tarde en francés. En el estilo de las pinturas de artistas exitosos de este siglo como Canaletto parece evidente el uso de esta poderosa herramienta, la cámara oscura. Una cámara de este tipo que tiene grabado el nombre de Canaletto, se conserva en Venecia, aunque no está confirmado que efectivamente perteneciera al artista.

Artistas que comercializaban con éxito retratos, como el de Maximilien Robespierre, hacían uso de todo tipo de instrumentos para lograr trabajos casi perfectos.

El fisionotrazo para hacer perfiles, inventado por Gilles Louis Chretien, despertó en la burguesía francesa el apetito por la iconografía. Faltaban pocas décadas para la invención de la fotografía.

1801, pocos años antes de su muerte, el inglés Thomas Wedgwood hizo nuevos descubrimientos para capturar imágenes.

Inicios

Vista desde la ventana en Le Gras. Debido a las 8 horas de exposición, la luz del sol ilumina los edificios de ambos lados.

A principios del siglo XIX, en el año 1826, el científico francés Nicéphore Niepce obtuvo unas primeras imágenes fotográficas, inéditas, que no pudo fijar permanentemente. La fotografía más antigua que se conserva es una reproducción de la imagen conocida como Vista desde la ventana en Le Gras, obtenida en 1826 con la utilización de una cámara oscura y un soporte sensibilizado mediante una emulsión química de sales de plata.

Cuando Niepce comenzó sus investigaciones necesitaba ocho horas de exposición, a plena luz del día, para obtener sus imágenes. En 1839 Louis Daguerre hizo público su proceso para la obtención de fotografías sobre una superficie de plata pulida, que denominó daguerrotipo. Resolvía algunos problemas técnicos del procedimiento inicial de Niepce y reducía los tiempos necesarios de exposición. Casi al mismo tiempo Hércules Florence, Hippolythe Bayard y William Fox Talbot desarrollaron otros métodos diferentes. El creado por Fox Talbot obtenía negativos sobre un soporte de papel, y a partir de esos negativos positivaba copias positivas, también en papel. El procedimiento negativo-positivo de Talbot se llamó calotipo o talbotipo.

Inicialmente el daguerrotipo era mucho más popular, ya que era muy útil para obtener retratos. Estos "retratos al daguerrotipo" empezaron a divulgarse entre la clase burguesa de la Revolución industrial, por ser mucho más baratos que los pintados, lo que dio un gran impulso a esta nueva técnica.

Innovaciones técnicas y científicas

Daguerrotipo experimental de 1837. Bodegón, por Daguerre.

Para captar las imágenes se empleó la cámara oscura que experimentó constantes mejoras en su diseño y tamaño, así como en las lentes ópticas u objetivos utilizados, debido a las aportaciones de diferentes investigadores.

Los procedimientos fotográficos utilizados durante el siglo XIX fueron muy diversos, empezando por el daguerrotipo, y el calotipo. A partir de 1855 triunfó el sistema de los negativos de colodión húmedo, que permitían positivar muchas copias en papel a la albúmina, con gran nitidez y amplia gama de tonos. Estas copias a la albúmina fueron el tipo de papel fotográfico más empleado en la segunda mitad del siglo XIX. Todos estos sistemas eran muy artesanales.

Después de 1880 se pudieron comprar las nuevas placas secas al gelatino-bromuro, que ya no eran artesanales, sino que eran fabricadas por industrias. Los fotógrafos compraban cajas de placas vírgenes, ya sensibilizadas, listas para cargar en chasis y ser expuestas en la cámara. También eran placas de vidrio; pero pronto empezó a usarse el soporte flexible de película de nitrato.

Tampoco deben olvidarse las siguientes aportaciones de George Eastman y la casa Kodak, que permiten concluir el camino hacia la instantánea fotográfica. A partir de 1888, Kodak sacó al mercado una cámara que utilizaba carretes de película enrollable, en lugar de placas planas.

En el campo de las investigaciones científicas efectuadas con la utilización de la fotografía pueden resaltarse los estudios sobre locomoción humana y animal de Étienne Jules Marey y Edward Muybridge. Así, muy interesante fue poder averiguar la secuencia de movimientos de las patas de un caballo al galope. BF 233

Primera fotografía en color, tomada por James Clerk Maxwell, en 1861, realizando tres fotografías sucesivas con filtros diferentes.

La fotografía en color fue experimentada durante el siglo XIX, pero no tuvo aplicaciones comerciales, por su dificultad e imperfección. Los experimentos iniciales no fueron capaces de conseguir que los colores se quedaran fijados en la fotografía. Una primera fotografía en color fue obtenida por el físico James Clerk Maxwell en 1861, realizando tres fotografías sucesivas, con la lente con un filtro diferente: rojo, verde y azul. Cada una de las tres imágenes se proyectaba sobre la misma pantalla con la luz del color del filtro que se había empleado para tomarla.

A lo largo del siglo XIX, y principios del XX, algunas fotografías se coloreasen a mano, con acuarelas, óleo, anilinas, u otros pigmentos. Pero este coloreado manual era artístico y no técnicamente fotográfico. Ya en la época del daguerrotipo se empezaron a colorear los retratos, pagando un suplemento. En algunos países, como Japón, se coloreaban muchas copias a la albúmina, especialmente en los retratos de tipos populares y en las vistas de paisajes y ciudades.

La verdadera primera placa fotográfica en color -Autochrome Lumière- no llegó a los mercados hasta 1907. Esas placas autocromas eran transparencias de vidrio. La primera película fotográfica en color moderna, KodaChrome, fue utilizada por primera vez en 1935. Las más modernas, a excepción de ésta, han sido basadas en la tecnología desarrollada por Agfacolor en 1936.

La fotografía a partir de 1945

Todos los géneros fotográficos surgidos en momentos históricos anteriores tienen su continuación tras la finalización de la Segunda Guerra Mundial. Especial relevancia presenta la evolución en estos años del periodismo fotográfico, en el ámbito de la fotografía documental y los nuevos diálogos que se establecen entre la fotografía y las artes plásticas, que comienzan a fundirse en la denominación genérica de artes visuales.

Asistimos, igualmente a la aparición de otros usos de la fotografía en este período, así como al desarrollo de nuevas visiones de la fotografía de paisaje y del empleo masivo de la fotografía en color, gracias a la obra de William Eggleston.

En estos años merecen especial mención las obras de Robert Doisneau y Robert Frank, entre muchos otros.

La fotografía en las artes visuales

La discusión acerca del status artístico de las fotografías se inaugura desde su invención. Sin embargo, durante el siglo XIX serán sólo intentos aislados los que se animen a desafiar el lugar que la institución artística ha destinado para la fotografía: el de auxiliar científico a la observación de la realidad, sin ninguna posibilidad de aspirar a la categoría de obra de arte en cuanto se consideraba que era la máquina la que hacía todo el trabajo.

Pictorialismo

La primera iniciativa de fotografía artística surge en 1890 en Europa. Un grupo de fotógrafos crea técnicas de manipulación en la toma y en el positivado, y propone que el resultante de su uso es una obra de arte fotográfico, en cuanto requieren de manipulación por parte del autor y generan obras únicas: dos de los puntos discutidos por parte de los pintores para negar la artisticidad de la fotografía. Algunos autores pictorialistas son: Peter Henry Emerson, Robert Demachy, Henry Peach Robinson, Comandante Puyo. Los pictorialistas reconocen influencias y antecedentes en la fotografía academicista de Oscar Gustav Rejlander y en la obra de Julia Margaret Cameron, ambas de la década del 60 del siglo XIX. La fotografía pictorialista también se conoce como fotografía impresionista por la similitud formal y temática con esta corriente de la pintura.

Cronología

1947 Se funda la Agencia Magnum: una cooperativa de fotógrafos preocupados por la manipulación de la información fotográfica en los medios de prensa.

1950, nuevos procedimientos industriales permiten incrementar enormemente la velocidad y la sensibilidad a la luz de las películas en color y en blanco y negro. La velocidad de éstas últimas se elevó desde un máximo de 100 ISO hasta otro teórico de 5.000 ISO, mientras que en las de color se multiplicó por diez.

1960, que los primeros VTR (Video Tape Recorder que en 1951,ya eran capaces de capturar imágenes de televisión, convertirlas en una señal eléctrica y guardarlas en soportes magnéticos) son utilizados por NASA, para captar las primeras fotografías electrónicas de Marte.

1969, es considerado el inicio de la carrera digital. Willard Boyle y George Smith diseñan la estructura básica del primer CCD (acrónimo de Charge Couple Device ó Dispositivo de Carga Acoplada) Este dispositivo CCD planteado como un sistema para el almacenamiento de información es utilizado un año más tarde, por los laboratorios Bell como sistema para capturar imágenes al construir la primera videocámara.

La Fotografía en el siglo XXI: digitalización

Artículo principal: Fotografía digital

A finales del siglo XX aparece un nuevo tipo de tecnología en los medios audiovisuales que supone un cambio de rumbo en la forma de utilizarlos. La aparición de la primera cámara digital en 1990 constituye la base de la creación inmediata de imágenes. A pesar de que en sus orígenes el precio de estas cámaras era elevado y las hacía inaccesibles para muchos, con el tiempo no sólo se han abaratado sino que han aumentado su calidad técnica. La digitalización ha liberado a la fotografía del carácter documental de su naturaleza ya que la manipulación de imágenes a través de la infografía ha permitido recuperar el imaginario pictórico y narrativo que se había perdido de la cultura visual como consecuencia de la aparición de la cámara.

La fotografía digital entronca con la ideología del collage entendido como fotomontaje de vanguardia dadaísta o constructivista, que mostraba el recorte y el carácter fragmentario de su construcción sin pretender engañar a nadie. No obstante, la fotografía digital consigue eliminar las marcas del proceso de construcción del "collage" y dotar al fotomontaje de carácter unitario.

Desde su invención, la fotografía tenía total credibilidad como testimonio incuestionable de la realidad debido al funcionamiento del dispositivo de captura. Posteriormente, la manera de registrar la realidad se ha considerado un posicionamiento ideológico, que nada tiene que ver con el carácter neutral y objetivo de su funcionamiento.

Las nuevas tecnologías digitales tienen la capacidad de convertir lo real e intervenir sobre el registro de la imagen, hasta el punto de manipular y distorsionar las imágenes sin perder el realismo fotográfico con el que fueron captadas.

La digitalización desposee a la fotografía de su carácter objetivo y rompe la conexión física entre el referente y la impresión fotosensible, es decir, entre la experiencia perceptiva de la realidad por observación directa y la imagen mediada a través de una tecnología. Con la pérdida de objetividad de la imagen fotográfica, a comienzos de la década de los noventa, se empieza a hablar de la era post-fotográfica, en la que se supera el paradigma fotográfico como modelo de realismo. Lo real y lo virtual se mezclan dando lugar a un nuevo tipo de imagen híbrida para definir las nuevas creaciones pseudo-fotográficas. Los programas de manipulación de la imagen son protagonistas en esta etapa, así como el retoque fotográfico, la fusión de imágenes, la infografía o la generación de tridimensionalidad, holografía.

Entre las pioneras en el tratamiento digital de la imagen fotográfica está Nancy Burson. Mediante la acumulación de retratos individuales creará nuevas apariencias de personajes. Introduce la imagen de varios personajes, en un programa que ella misma diseña, para obtener un retrato robot.

Referencias

1. ↑ Kurtz, Gerardo F. (2001). «Origen de un medio gráfico y un arte. Antecedentes, inicio y desarrollo de la fotografía en España». Summa Artis. Historia General del Arte. Vol. XLVII. La fotografía en España: de los orígenes al siglo XXI. Madrid: Espasa Calpe, S. A. pp. 88. ISBN 84-239-5492-7.
2. ↑ Wade, KAITLYJJ.; Finger, Stanley (2001). «The eye as an optical instrument: from camera obscura to Helmholtz's perspective». Perception 30 (10):  pp. 1157–77.